Logotipos

¿Qué es un Logotipo? 

¿Cómo hacer un buen logotipo? 

 

Los Diferentes Logos Que Existen

 

Proceso creativo de logotipos

 

Curiosidades de Logotipos

 

Conceptos básicos para entender el diseño gráfico

  

1. Convencionalidad
El signo debe configurarse conforme alguna combinación de los códigos gráficos culturalmente vigentes. La idea de «nuevos lenguajes gráficos» resulta absurda: si un lenguaje es nuevo, no se entiende.

2. Ocurrencia
La ocurrencia compensa la convencionalidad al darle relevancia al mensaje. Pero el grado de atipicidad necesario no siempre es el máximo posible. Cada caso requiere un grado de ocurrencia diferente.

3. Eficacia
El signo ha de cumplir, como mínimo, todas las funciones para las cuales ha sido creado. Valores, como por ejemplo la estética, no pueden subordinar la eficacia del comunicado gráfico sino, por el contrario, potenciarla.

4. Propiedad
El signo debe inscribirse en el paradigma identitario de su emisor. No basta con la firma: el comunicado mismo debe identificar al emisor. La identidad no consiste en hablar del emisor sino en hablar como él.

5. Respeto
Tal como sucede con el emisor, la gráfica debe ajustarse y respetar los códigos del receptor. Se habla para él, para que él entienda.

6. Pertinencia
El signo debe ajustarse al registro del vínculo comunicacional que se entabla entre emisor y receptor. Solo conociendo ese vínculo, es posible establecer el tono adecuado que cada ocasión amerita.

7. Densidad
Entre lo vacío y lo lleno debe haber una relación de sentido. El signo debe estar saturado, o sea, carente de zona privadas de sentido. Si al eliminar un elemento nada se pierde, es porque ese elemento sobraba.

8. Economía
El despilfarro es comunicacionalmente negativo. El signo no debe contener redundancias superfluas o excesos gráficos.

9. Transparencia
El signo debe carecer de significaciones parasitarias que obren como interferencias a su mensaje específico.

10. Anonimato
El signo debe ser autónomo, libre de referencias a su proceso productivo o su autor. El signo no es la historia de su proceso productivo: pertenece al emisor y su producción debe volverse invisible.

TRAYECTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO EN MÉXICO

Historia del diseño gráfico (documental)

Importancia del diseño en la publicidad

“Aferrarse demasiado tiempo a las ideas convencionales es una fórmula segura para fracasar”

- Kenichi Ohmae

El diseño siempre ha estado presente en la vida humana, dándole valor a los signos y a los símbolos que nos rodean y ha sido una labor tan cotidiana que en los últimos años se ha convertido en una de las disciplinas que se han visto segregadas, permitiendo que otras disciplinas se apoderen de él, quitándole la capacidad de generar ideas o simplemente en ser decisivo para factores de suma importancia.

Actualmente el diseño pasa por una crisis de identidad ya que las agencias o empresas al tratar de reclutar a los nuevos diseñadores se enfocan más en un aspecto técnico, lo que da a entender que si sabes el funcionamiento de tal o cual un programa de diseño o animación, eres el candidato perfecto para el puesto, sin ponerse a pensar que el  diseño no sólo es materia práctica sino que es, posiblemente, la materia que guarde más connotaciones dentro de ella.

David Ogilvy en CONFESIONES DE UN PUBLICITARIO se refiere al diseño como el fondo, siendo este más importante que la forma. A partir de esto, no es muy difícil descifrar el papel que funge dentro del mundo de la publicidad y que ha sido una herramienta que se utiliza para vender, es decir, si el diseño es bueno dentro de una campaña las ventas de un producto sin duda subirán. El ejemplo más claro de ello es Coca-Cola, que a partir de la importancia que la compañía le da a este rubro el cual tiene el mismo valor que las otras disciplinas incrementa su valor con una estrategia que ha durado por más de 50 años, al igual que Chevrolet, por mencionar otro ejemplo.

De acuerdo con el estudio que abarcó mas de 200 proyectos entre ellos de diseño gráfico, diseño industrial y de producto entre 1982 y 1987 y tomando en cuenta que las empresas tenían nula experiencia en materia de diseño, las líneas generales revelaron que:

1.- Alrededor del 90% de los proyectos generaron beneficio y se recuperaron las inversiones en un plazo medio de quince meses a partir de la fecha de lanzamiento del producto.

2.- El 48% de los proyectos recuperaron sus costos totales, el desarrollo de proyectos, en menos de un año después de haber lanzado el producto.
Esto es sólo tomando dos puntos de seis que en números nos reflejan que tan bueno es la inversión en un buen diseño y en un buen diseñador.

La valoración cualitativa del diseño vienen ya desde los años 90 y se ha corroborado que el diseño se entiende como un proceso, tecnología o un saber-hacer, una disciplina y finalmente un servicio.
Basándome en “Las 10 reglas básicas para juzgar diseños comerciales” de Adrían Pierini artículo recomendado ampliamente y publicado, nunca habrá que dar por sentado el trabajo de un diseñador, ya que la critica surge muchas veces de un desconocimiento absoluto haciendo juicios sobre su trabajo y capacidades, denostando el valor de esta profesión.

Marketing

Marketing es un concepto inglés, traducido al castellano como mercadeo o mercadotecnia. Se trata del análisis del comportamiento de los mercados y de los consumidores. El marketing analiza la gestión comercial de las empresas con el objetivo de captar, retener y fidelizar a los clientes a través de la satisfacción de sus necesidades.

 

Algunas frases donde se emplea el término son: “Vamos a contratar un experto en marketing para que nos ayude en la empresa”, “Bajar los precios durante el Mundial fue una gran estrategia de marketing”, “Estoy leyendo un nuevo libro de marketing”.

El marketing ha sido inventado para satisfacer las necesidades del mercado a cambio de beneficio para las empresas que se sirven de ella para desarrollarse. Es una herramienta que sin lugar a dudas es estrictamente necesaria para conseguir el éxito en los mercados.

Según Philip Kotler consiste en un proceso administrativo y social gracias al cual determinados grupos o individuos obtienen lo que necesitan o desean a través del intercambio de productos o servicios.
Jerome McCarthy opina que es la realización de las actividades que pueden ayudar a que una empresa consiga las metas que se ha propuesto, pudiendo anticiparse a los deseos de los consumidores y desarrollar productos o servicios aptos para el mercado.

Se dice que el marketing es un proceso social y administrativo porque intervienen un conjunto de personas, con sus inquietudes y necesidades y porque necesita de una determinada cantidad de elementos tales como la organización, la implementación y el control, para un desarrollo eficiente de las actividades.

Las acciones de marketing pueden tener una visión de rentabilidad a corto o a largo plazo, ya que su gestión también supone la realización de inversiones en la relación de la empresa con los clientes, con los proveedores y hasta con sus propios empleados, además publicidad en los medios de comunicación. Es importante no confundir marketing y publicidad, ya la mercadotecnia abarca a la publicidad y a otras cuestiones.

Branding y Marketing ¿Cuál es la diferencia?

México.- Hay empresas, tanto grandes como pequeñas que no entienden las diferencias importantes entre la branding y marketing. Ambas son importantes pero tan ligadas que suele confundirse a la hora de tomar acción. Te decimos las principales diferencias.

Branding

Robert Bean de Northstar Partners en Reino Unido creador de la campaña para Honda “It’s Good to Talk”, define al branding como “promesa cumplida”. Hacer una promesa a los clientes y para tener éxito, debes cumplir esa promesa. “La marca es una insignia, un nombre o un color, es sólo una pequeña fracción de lo que una marca es en realidad”, afirma Robert.
Rob Frankel (experto desarrollador de acciones de Branding), explica que para entender el Branding, “debemos entender lo que es el posicionamiento en el mercado. Posicionamiento es tu posición estratégica en el mercado. Es el elemento substancial que nos hace diferentes. Cuando alcanzas una posición en el mercado, estás estableciendo un baluarte en el campo de batalla del marketing, poniendo en alto los colores de tus estandartes”.
Branding no consiste en que te compren más que a la competencia, consiste en que sientan que tú eres la única solución a sus problemas.
La clave para aprovechar el poder de tu marca es la participación de tus empleados. Llevarlos a través de este proceso y tener un experto para que te oriente.

 

En cuanto al marketing

Chartered Institute of Marketing lo define como “El proceso de gestión responsable de identificar, anticipar y satisfacer las necesidades del cliente de manera rentable”.
Marketing, entonces, es una parte integral de tu marca. Te ayuda a comunicar la promesa (el branding). Tu marketing también debe basarse en el posicionamiento de la marca, la personalidad, los valores y hasta el tono de voz usado frente a los colegas y empleados.
En esencia, marketing es lo que haces para conseguir la promesa hecha a tus consumidores, mientras que el branding es como consigues que la promesa hecha llegue a los consumidores.
Otra forma de entender la diferencia es separar entre marca y producto, la primera pertenece a las ideas, lo intangible y se encuentran dentro del terreno del branding. La segunda la situamos en lo físico, lo tangible y se encuentran dentro del terreno del marketing.

 

Branding

El branding de marca o de empresa es el proceso mediante el cual se construye una marca, comprendiendo este como el desarrollo y mantenimiento de un conjunto de atributos y valores inherentes a la marca y por la que esta será identificada por su público. Por ello, cada paso que da la empresa hasta convertirse en una marca rápidamente reconocible por sus clientes debe analizarse y seguir una estrategia previa.
Agencias, consultorías y profesionales del sector publicitario hablan constantemente del branding de una marca o branding de empresa, pero en la realidad no siempre se tiene del todo claro que abarca exactamente este concepto y cómo se configura dentro de las empresas. Para entender lo que es el branding de empresa tenemos que comprender lo que significa la marca de una organización.
Como marca debemos concebir algo más que un simple nombre: la marca es el sello, el espíritu, el símbolo identificativo de la organización, o una combinación de todo ello, a través de la cual, los usuarios perciben una imagen válida de ella, en términos de calidad, fiabilidad y unicidad.
La marca es lo que nos distingue de la competencia.

Beneficios del branding de empresa

El objetivo del branding y publicidad es extender esa marca en el mercado, posicionarla como un referente y ubicarla en la mente de los consumidores de forma directa o indirecta.

Plan de Acción

Hacer o crear el branding de una marca significa por tanto desarrollar un plan de marketing o donde especifiquemos las acciones que realizaremos para dar a conocer nuestra marca. Para ello no solo tendremos en cuenta la identificación visual de la marca (el diseño de la misma), sino también reflexionaremos sobre la forma de comunicar esa marca según el canal de comunicación.
Es muy importante que desarrollemos una buena labor con el branding de la empresa dado que es lo que revalorizará nuestra marca y acabará convirtiéndola en una fuente de ingreso estable para la empresa.
Así mismo, una buena estrategia de branding buscará:

• Generar credibilidad y confianza.
• Fortalecer la identidad de sus productos o servicios.
• Diferenciarse de la competencia.

Estos conceptos son los que debemos desarrollar para que el consumidor sienta empatía con nuestra marca y piense en ella al visualizar nuestros productos o servicios.

El valor del logotipo

A la hora de desarrollar el branding para la marca de la empresa debemos tener en cuenta el aspecto de la marca. La marca debe transmitir lo que nosotros somos: un diseño sencillo, pegadizo. Es necesario jugar con los colores y la tipografía para confeccionar un buen logotipo que encaje con el espíritu de nuestra empresa.
Sin una buena marca, todo branding que hagamos puede ser en vano. Son dos factores que van de la mano y que tendremos que trabajar conjuntamente para un resultado óptimo.

Comunicación de marca

Al margen del diseño y estética del que dotemos la marca que estamos configurando o potenciando, es muy importante que toda la estrategia comunicativa (todas las comunicaciones empresariales), sea en redes sociales, en Internet o en el medio offline, giren en torno al plan estratégico previamente diseñado.
Los errores en la comunicación corporativa, en las campañas de publicidad y marketing pueden marcar la imagen que los consumidores tienen de esa marca debilitando las acciones de branding o logrando efectos contrarios a los deseados. Por ello es realmente importante una labor consultora previa a cualquier acción.

¿Por qué hacer branding de marca en la empresa?

Actualmente, vivimos en un mundo cada vez más competitivo, con una economía globalizada, el desarrollo tecnológico avanza a una velocidad impresionante y unos consumidores exigentes difíciles de conquistar que pueden echar por tierra todo el prestigio de una marca de la noche a la mañana en redes y medios sociales, es decir, en cualquier plataforma de comunicación digital siempre que no gestione correctamente la imagen de una marca.
Por esas razones, consolidar la marca a través de un buen branding es un trabajo arduo pero necesario para cualquier empresa.
En síntesis, podemos decir que el branding es un proceso profundo, de análisis, diseño y estrategia, con el fin de resolver los problemas que no todos pueden ver, y de cuyo éxito depende en gran medida la vida de las empresas de la sociedad actual.

Bauhaus

Se conoce como Bauhaus a un movimiento artístico que surgió en 1919 en Weimar, una ciudad que hoy forma parte del estado alemán de Turingia. Su fundador fue Walter Gropius, un arquitecto, diseñador y urbanista nacido en 1883 y fallecido en 1969.

A lo largo de su historia, la Bauhaus estuvo instalada en Weimar (1919-1925), Dessau (1925-1932) y Berlín (1932-1934). La presión del nazismo sobre la entidad, a la que consideraban socialista y cuyos directivos eran judíos, provocó su cierre.

La influencia de la Bauhaus llegó a diversos ámbitos. Además de la arquitectura y de distintas ramas del diseño, varias disciplinas artísticas siguieron los postulados del movimiento.

Los 7 mejores diseñadores del mundo.

“Los Grandes artistas copian. Los genios roban”
Pablo Picasso.

1. David Carson (Estados Unidos).

Es la tercera vez que escribo sobre este diseñador y la verdad, creo que seguiré haciéndolo. Su estilo tipográfico, roto, radical, grunge, surfero, nunca pasará de moda. Muchos críticos trataron su obra como algo ilegible, pero está su obra, inspirando a diseñadores de todo el mundo. Hay una frase muy utilizada en el mundo del arte: “Para romper las normas primero hay que conocerlas”. En el caso de David Carson es toda una verdad.

 

 

 

2. Storm Thorgerson (Reino Unido).

El que para muchos fue uno de los mejores diseñadores del Reino Unido, y para muchos otros de los mejores del mundo, se hizo popular diseñando las portadas de los discos de Pink Floyd. Un estilo visual Surrealista, comparado en algunos casos con Dalí.

 

 

3. Alex Trochut. (España)

Ahora le toca el turno a uno de mi país. De Barcelona, cuna de uno de los diseños más característicos de todo el territorio Español. Alex vivió desde su nacimiento el mundo del diseño. Su abuelo era tipógrafo, y se ve que le inspiró bien, ya que su nieto, a pesar de su juventud, se ha convertido ya en un diseñador referente en toda Europa.

 

4. Milton Glaser. (Estados Unidos)

 

¿Quién no conoce su famoso logo “I Love New York”? Milton Glaser es, sin duda, uno de los diseñadores más importantes del mundo. Uno de los padres del minimalismo, amante del mensaje directo, sencillo y original, no podría dejar de estar en esta lista. Y es que no hay nada más complicado que lo sencillo.

 

5. Alejandro Magallanes (México).

 

Un diseñador libre, que no tiene clientes, tiene cómplices. Alejandro Magallanes es, sin duda, uno de los más influyentes diseñadores Mexicanos, y sus influencias a nivel internacional cada vez están más presentes. Ilustrador y amante del juego tipográfico. Yo diría que alguna influencia de David Carson le ha llegado.

 

6. Dr. Alderete. (Argentina).

 

Uno de los mejores ilustradores del mundo. En Latino América es toda una leyenda. Se pueden ver sus trabajos en las portadas de los discos de muchísimos músicos de renombre. En sus ilustraciones y sus trabajos finales, se puede apreciar su gran afición por la lucha libre y su estilo tan característico.

 

Historia del alfabeto y Tipografos importante

Tendencias en diseño de logotipos

1. Tipografía

Hay una creciente tendencia hacia el regreso a las tipografías serif, pues la calidad en las pantallas ha mejorado mucho en comparación con sus inicios. Habrá que poner atención a las tipografías personalizadas o creadas especialmente para las compañías. El caso más exitoso es el de Google.

 

2. Caligrafía y letterting

Los diseños vintage que usan la caligrafía y el lettering continuarán por que dan la impresión de personalización, una de las tendencias del marketing que ha incrementado gracias a la tecnología, pero en el caso del diseño es volver a lo básico, lo hecho a mano, lo que no es industrializado.

 

3. Colores duales

Durante el próximo año se espera que cada vez más compañías tengan una paleta de sólo dos colores o bien que sea monocromática. La razón de esto es la identificación más fácil de las compañías. Además, esta alternativa refresca el look de las empresas.

4. Gradientes

El degradado de tonalidades o de un color a otro será uno de los favoritos para el 2016. Este tipo de recurso visual es simple, sofisticado y moderno.

 

5. Espacio negativo

El uso del espacio negativo es uno de los principios básicos del diseño gráfico, pero tal parece que el regreso a lo básico será uno de los recursos que más podrán utilizarse en los meses venideros. La cuestión es crear logos en los que se simplifique lo complicado.

 

6. Low Polygon

Esta tendencia viene del diseño flat y continuará. Básicamente consiste en una técnica en la que se utilizan formas geométricas con tonalidades monocromáticas, lo cual le da un aspecto de ser un diseño tridimensional sin serlo.

 

7. Overlapping

Esta es otra de las tendencias minimalistas que ganarán terreno en 2016. Esta técnica consiste en sobreponer dos o más elementos de diseño, generalmente son una especia de sombras que le dan más profundidad a los logotipos. Es simple y sofisticado.

 

¿Qué es una Retícula y para qué sirve?

La Retícula es una estructura a base de líneas, generalmente verticales y horizontales, las cuales nos ayuda a ordenar coherentemente todos los elementos de la composición como son: titulo, subtitulo, cuerpo del texto, fotografías, pie y crédito de foto, slogan, ideas resaltadas y numeración. Cada línea sirve de guía para colocar márgenes y medianiles (espacio entre columnas).

 

No es algo rígido y depende del medio para el que se utilice. Una retícula bien organizada tiene que tener armonía con el formato y la orientación del papel. Es de gran importancia la división geométrica del área y hasta con precisión matemática fraccionar, para colocar las columnas, espacios, márgenes, etc.

En diseño se considera de ayuda, utilizar una retícula, dado que auxilian a organizar la información y actuar como marco en la composición para crear orden y estética. Se puede decir que es una herramienta para la maquetación.

 

Esta estructura es digital, solo es visible a la hora de diseñar, se usan las Líneas Guías que los programas manejan, como el caso de InDesign y a la hora de imprimir, estas líneas no aparecen. La retícula es algo que lleva toda publicación por detrás, una vez impresa lo único que se aprecia de la retícula, es la disposición armónica de todos los elementos, lo que nos lleva a una buena composición y un impacto positivo sobre él espectador. 

 

 
 

La psicología del color aplicada al diseño gráfico

La psicología del color estudia la influencia que tiene el color en los sentimientos de una persona, y la capacidad que tiene de provocar en nosotros diferentes reacciones y emociones.

Negro

 El más oscuro de todos, se define como la ausencia de todos los colores y puede ser sinónimo de misterio o miedo. Sin embargo, al margen de sus connotaciones negativas, en diseño suele transmitir sensación de poder, elegancia, modernidad, fuerza y prestigio. Es un color conservador que se usa por lo general para definir lujo, sofisticación y seriedad.

El más oscuro de todos, se define como la ausencia de todos los colores y puede ser sinónimo de misterio o miedo. Sin embargo, al margen de sus connotaciones negativas, en diseño suele transmitir sensación de poder, elegancia, modernidad, fuerza y prestigio. Es un color conservador que se usa por lo general para definir lujo, sofisticación y seriedad.

 

Blanco

 En oposición al negro, este color nos impone una imagen de claridad, limpieza y simplicidad. Puede trasladarnos sensaciones de inocencia, perfección, pureza, neutralidad, ligereza, positivismo, honradez, pulcritud o silencio.

Azul

A pesar de ser un color frío, suele utilizarse para dar una imagen de fiabilidad, confianza, seguridad, armonía e inteligencia. Por eso es muy utilizado, sobre todo en tonos claros, en diseños de logotipos y de páginas webs de grandes empresas y entidades bancarias.

 

 

Verde

 Es el color de la esperanza y de la naturaleza por excelencia y produce en nosotros sensaciones de estabilidad y equilibrio.

 

 

Amarillo

Se trata del color más brillante y energizante dentro de la gama de los colores cálidos. Nos transmite alegría y calidez pero a su vez es muy estimulante. Por eso es muy utilizado en puntos estratégicos para llamar nuestra atención. Si queremos conseguir un diseño algo más serio en nuestros diseños, lo usaremos en sus tonos más oscuros.

Naranja

El color naranja es más equilibrado que el anterior; por un lado es vibrante y energético y por otro es agradable y acogedor. Suele utilizarse para crear una llamada a una acción  

Rojo

Es el color del amor, la seducción y la energía y en diseño debe utilizarse de forma muy consciente, en puntos estratégicos hacia los que queramos desviar la atención.

 

Rosa

Es el color de la dulzura, la infancia y la feminidad. Los tonos más brillantes son los más enérgicos y estimulantes, y representan ideas como el positivismo, la excitación, la alegría o la sexualidad. Por ejemplo, un color coral tiene un gran efecto de fuerza y energía. 

 

 

Ley de gestalt

Leyes de la percepción

Elaboradas por los psicólogos de la Gestalt 
(movimiento surgido en Alemania, 1910),
que revolucionó la psicología de la percepción
y que hasta hoy ha seguido en vigor.

Fuentes y familias tipográficas

Cada fuente y familia tipográfica tiene características que la distinguen entre otras, que las hace únicas y le da personalidad al texto. Esa personalidad se magnifica cuando una fuente se usa a través de una presentación digital

Para hacer la mejor selección ayuda entender las diferencias básicas entre las familias tipográficas. La tipografía se puede dividir en amplias categorías: Serif, Sans Serif, Manuscritas, de Exhibición y Símbolos.

Además de la clasificación y sub-clasificación por familia tipográfica, existe una versión ampliada de las mismas, con variaciones como: Serif Slab, Sans Serif tensionado, tipografía monoespaciada, ultra condensada, gótica o blackletter , y por último, la variable de la lengua. Mismas que se describen en las tablas a continuación y que complementan este acercamiento a las fuentes tipográficas sin pretender crear una clasificación propia.

SERIF

Las fuentes serif o de adorno tienen su origen en el pasado, cuando las letras se cincelaban en bloques de piedra, pero resultaba difícil asegurar que los bordes de las letras fueran rectos, por lo que el tallador desarrolló una técnica que consistía en destacar las líneas cruzadas para el acabado de casi todas las letras, por lo que las letras presentaban en sus extremos unos remates muy característicos, conocidos con el nombre de serif.

Según los diseñadores esta tipografía proporciona el efecto de tranquilidad, autoridad, dignidad y firmeza; contiene un pequeño embellecimiento (pequeños patines, pies o terminaciones) en los extremos de un carácter llamado enlace, lo que permite al ojo seguir la línea fácilmente, sobretodo en bloques de texto amplios, modifica el significado del texto y añade connotaciones específicas a lo expresado. Las Serif se subclasifican en las siguientes clases: Romanas Clásicas, Romanas de Transición, Romanas de Antiguas o viejo estilo, Romanas Modernas o Didonas, De cuña o glífico y Caligrafiadas. Son muy apropiadas para la lectura seguida de largos textos

Estas fuentes pueden aparecer tradicionales, serias, institucionales o corporativas Como ejemplos de fuentes serif podemos citar:

• Book Antiqua
• Bookman Old Style
• Courier, Courier New
• Garamond
• Georgia
• Lucida Bright
• MS Serif
• Times New Roman.

Existe una clasificación ampliada para la tipografía Serif, llamada Slab Serif, Las cuales exhiben contrastes moderados e insignificantes en el peso del movimiento y pueden aparecer a veces ser casi monótonas. La serifa es generalmente pesada, a veces tanto como el movimiento principal en el carácter. Las tipografías de Slab Serif tienen cuatro categorías primarias, a saber: Egipcias, Clarendon, Italianas, y Slab Serif de extremos redondeados.

SAN SERIF

Del francés Sans “sin” Serif, serifa o patines. Las fuentes Sans Serif están simplemente sin patines o pies, es decir, no tienen remates en sus extremos.
Las fuentes Sans serif, etruscas o de palo seco, hacenu aparición en Inglaterra durante el siglo XIX. Entre sus trazos gruesos y delgados no existe contraste, sus vértices son rectos y sus trazos uniformes, ajustados en sus empalmes. Representan la forma natural de una letra que ha sido realizada por alguien que escribe con otra herramienta que no sea un lápiz o un pincel.

Según los diseñadores éste tipo de fuente crea el efecto de modernidad, sobriedad, alegría y seguridad, es más neutra y aunque son muy populares, dificultan la lectura de textos largos, por lo que se usan sólo en casos de textos muy cortos donde existiera una razón para ello.

Estas fuentes tienden a reflejar una imagen moderna, limpia, o minimalista. Muchos consideran las fuentes de Sans Serif como la mejor opción para el diseño de presentaciones digitales, ya que son más legibles que las fuentes Serif cuando se proyectan para su visualización en pantallas, incluso en tamaños pequeños y limpias a tamaños grandes. Sin embargo, para textos largos impresos no se aconsejan, ya que resultan monótonas y difíciles de seguir.

Los tipos Sans serif o palo seco, se subclasifican en: De contraste, geométrica, grotesca, humanista, informal, híbrida, de terminación redonda, Bauhaus y ajustada. Los ejemplos incluyen:

• Arial
• Chicago
• Mónaco
• Tahoma
• Helvética
• Verdana 

MANUSCRITAS O SCRIP

Las fuentes manuscritas o script parecen cursivas o de caligrafía. En el diseño de una presentación digital, estas fuentes se reservan para acentuar el título principal, o la firma del autor, pues los trazos más finos pueden desaparecer, comprometiendo la legibilidad.

La tipografía manuscrita se subdivide en: Brush, caligráfica, canciller, casual, formal, semi-formal, gráfico y monolínea, aunque también podría entrarse aquí el grafiti. Entre los ejemplos encontramos:

• Aelfa,
• Belphebe
• Brush
• Edwardian Script
• English
• Killigraphy
• Vivaldi.

Como parte de la tipografía manuscrita caligráfica podemos encontrar la tipografía Gótica o Blackletter. Fue el primer carácter de imprenta usado en Europa. Es un tipo de letra que imita la escritura a mano que llevaban a cabo los monjes con un plumín ancho. Este tipo generalmente tiene un aspecto oscuro y, por lo tanto, se conocen como Blackletter (letras oscuras) en los Estados Unidos.

Vanguardismo

El vanguardismo es un movimiento literario surgido a finales del siglo xix y a principios del siglo xx en Europa, se manifesto en diferentes Ismos o propuestas, entre los principales Ismos que influyeron y se manifestaron en la literatura latinoamericana. Dentro de la corriente vanguardista los ismos surgieron contra una corriente envejecida y propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital.

EXPRESIONISMO

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

CUBISMO

El Cubismo en artes plásticas surgió hacia el año 1907 con pintores como Picasso o Braque que se vieron impresionados por el arte africano y polinésico, pero también por la pintura románica medieval. El Cubismo literario apareció algunos años después y su máximo representante ha sido Apollinaire.
Movimiento pictórico que influye en la escultura y en la literatura, representando el análisis de las estructuras de la realidad.Hay que destacar el carácter intelectual de esta tendencia, empeñada en ignorar el sentimiento.
Los grandes maestros del Cubismo fueron Pablo Picasso y André Derain, y su teorizador fue Guillaume Apllinaire.

FUTURISMO

Movimiento literario y artístico surgido en Italia en el 1º deceni0 del siglo XX. Nació con un manifiesto, y varió y fijó sus propios enunciados en una serie de manifiestos. En 1912, el mismo Marinetti, apuntó como medio específico de expresión literaria las «palabras en libertad», que eran capaces de traducir, por analogía y sugestión, los mecanismos psíquicos y el frenesí de la vida moderna. Esto comportaba la abolición de la sintaxis, de la puntuación, de las partes calificativas del discurso (adjetivos, adverbios).

DADAISMO

El movimiento Dada surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra. SURREALISMO El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

Areas de trabajo del diseñador gráfico

Podrás trabajar en agencias de publicidad, estudios de diseño, talleres gráficos, imprentas, empresas editoriales, consultoras de imagen, medios de comunicación, proyectos independientes, estudio propio, entre otros.

De forma independiente, el egresado podrá desarrollarse creando su propio estudio de diseño, atendiendo las áreas de desarrollo de imagen y marca, publicidad, promoción, diseño digital, diseño fotográfico, diseño y desarrollo de multimedia, diseño y desarrollo web, asesoría de color y estrategias de comunicación visual.

se puede desempeñar como:

• Diseñador de Sistemas de Identidad (Branding)
• Diseñador Editorial
• Diseñador de Estrategias Publicitarias
• Director Creativo
• Diseñador de Exhibiciones
• Líder de Proyecto
• Diseñador Web y Digital
• Consultor de Comunicación Visual
• Fotógrafo
• Ilustrador
• Animador Gráfico

En seguida se muestra un video realizado por los Alumnos de la facultad de Artes Visuales en el 2013 sobre lo que hace un Diseñador Gráfico.

Tipos de diseño gráfico

DISEÑO EDITORIAL

El primer camino que los Diseñadores Gráficos podemos seguir es el diseño editorial. Este campo requiere tener buenas habilidades de diagramación además de ser un maestro del InDesign. Si eres bueno para elegir la mejor tipografía en un libro y tienes talento para encajar montones de texto en una sola página de forma que sea clara y atractiva a la vez.

DISEÑO WEB / MÓVIL

Muchos diseñadores gráficos están virando hacia el diseño web y móvil debido a la alta demanda que existe por estos días. Si deseas llegar a ser un diseñador web / móvil, entonces deberás ser muy hábil en Photoshop, Illustrator y saber acerca de usabilidad; igualmente, debes tener conocimientos de HTML y CSS al igual que estar familiarizado con el concepto de Estándares Web. Si deseas trabajar en este campo, entonces las Agencias de Publicidad, Firmas de Desarrollo y cualquier compañía dispuesta a aventurarse en la web serán los lugares donde podrás encontrar una oportunidad.

FOTOGRAFÍA

Aunque la mayoría de los diseñadores gráficos tienen la , como parte de sus vidas y eventualmente la incorporan en sus trabajos, no es usual ver a un diseñador gráfico dedicado de lleno a este campo. Tener un título en diseño gráfico te brinda todas las herramientas esenciales para convertirte en fotógrafo, lo cual incluye teoría del color, composición, manejo de la luz y más.

ILUSTRACIÓN

Mucha gente piensa que ser diseñador gráfico es sinónimo de ser un gran dibujante, pero la verdad es que, no muchos diseñadores llegan a desarrollar un estilo único y atractivo que los permita llegar a ser ilustradores. Si estás planeando obtener un trabajo en esta área, entonces puedes ser independiente y vender tus creaciones a agencias o editoriales, bancos de imágenes y más; de otra manera, siempre podrás trabajar para grandes compañías en las que la creatividad hace parte del menú diario.

DISEÑO CORPORATIVO

Esta área combina todo lo que aprendiste en la universidad, ya que necesitarás ser capaz de desarrollar estrategias, crear productos digitales, trabajar con impresos, diseñar logos, manuales de identidad y más. Esta es sin duda una de las mejores áreas para cualquier diseñador gráfico; no necesitas ser experto en ningún programa, tan solo tener buenas habilidades comunicativas, un buen entendimiento de las necesidades del cliente y la capacidad de transmitir una idea a través de imagen.

DISEÑO 3D / ANIMACIÓN

Aunque no tienes que ser tan creativo como un ilustrador , si deseas trabajar como artista 3D o animador, es importante tener creatividad y buenas habilidades en programas tales como Maya, After Effects y 3D Max, los cuales junto a Adobe Flash serán elementos de tu caja de herramientas. 

Herramientas tecnológicas que se usan para diseñar

Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad.

Creative Cloud es la evolución de Creative Suite: una suite de aplicaciones de diseño para crear gráficos, video, audio y contenido interactivo para la impresión, la web y dispositivos móviles. A continuación te mostraremos los mas utilizados e indispensables que un diseñador debe aprender a usar.
                  

PHOTOSHOP

Photoshop permiten con sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un material fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.

CORELDRAW

es un software de diseño gráfico profesional, retoque fotográfico y diseño de páginas webs Se utiliza normalmente para generar imágenes y gráficos desde cero, pero también permite editar fotografías y dibujos para corregir imperfecciones o para conseguir efectos de color, brillo, contraste, fundidos y un largo etcétera.

ILLUSTRATOR

Esta completa herramienta te brinda todo lo necesario para crear ilustraciones, trabajar con tipografías o diseñar con vectores. A diferencia de los mapas de bits, que se basan en pixeles, las imágenes vectoriales se basan en vectores, donde las imágenes se pueden ampliar a tu gusto, sin perder nada de calidad. Como todos los programas, se va superando en cada nueva actualización, incluyendo nuevas funciones que hacen el trabajo más fácil, ahorrando tiempo y mejorando la productividad.

INDESING

Una aplicación de maquetación versátil que ofrece un perfecto control de píxeles perfecto sobre el diseño y la tipografía. Crea páginas atractivas para la impresión, tablets y otras pantallas. Adapta fácilmente las maquetaciones para que tengan un buen aspecto en una gran variedad de tamaños de página, orientaciones y dispositivos.

DREAMWEAVER

Se ha rediseñado con una interfaz moderna y un motor de codificación flexible y rápido para ofrecer a los diseñadores web y a los desarrolladores de aplicaciones o interfaz de usuario formas más sencillas de crear, codificar y gestionar sitios web con una apariencia espectacular en cualquier pantalla.